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elianaespinoza

Elementos básicos de la foto

*Luz: nos permite ver la calidad de la imágen

La luz natural es más difícil de controlar pues cambia constantemente de intensidad, dirección, cálidad y color.

Con la luz artificial todos estos párametros pueden controlarse.

*Los principales factores que determinan la iluminación son:

-Origen: natural o artificial

- Número de las fuentes luminosas

- Dirección o posición de la fuente respecto a la cámara y el motivo.

-- Difusión o forma de emanar y llegar al objeto:

+directa

+difusa

-Color

*El origen: se entiende porla luz natural proporcionada por el sol

* La temperatura de color: : se mide a traves del temocolorimetro

+luz mixta

+luz difusa

ETAPAS DE LA GÉNESIS DE LA IMÁGEN

1. Primera imágen: el contorno

2. Aparición de detalles en el interior del contorno

3. Aparición del contorno sobre un fondo

4. Los colores

5. Rotación de los perfiles (cambiar de punto de vista con el pensamiento)

6. La escultura

7. Yuxtaposición siginificante de diversoso elementos visuales(comics).

8. La sombra

9. La perspectiva

10. La fotografía

11. La estereoscopia

12. La imégen móvil

13.Síntesis total: la imágen del ordenador

14. El holograma

Partes de la Cámara

1. Palanca rebobinado

2. Rueda rebobinado

3.Contador rebobinado

4. Indice contador

5. Escala contador

6. Palanca de arrastre

7. Indice de velocidades

8. Dial de velocidades

9. Protector capata

10. Indice de sensibilidad

*IMÉGEN LATENTE

11. Palanca autodisparador

12. Botón conexión autodisparador

13. Sincro flash de cable

14. Rosca cable disparador

15. Zapata sincro flash

 

Escritos en clase

¿Qué significa SUR?

Single-lens-reflex (Sistema Reflex)

¿Cuáles son los dispositivos que controlan la luz?

*diafragma

*obturador

¿Por qué se llama Reflex?

La imágen entra a un espejo que está colocado a 45° que a su vez lo manda a otro espejo lateral

EXPOSIMETRO

Dispositivo que controla la luz

*Es importante organizar el flash con el lente y el objetivo

PENTAPRISMA

Envía la imágen a la parte superior (al visor)

 

¿Hacia una teoría ecológica de la imágen? MOLES, ABRAHAM

* La imágen es un soporte de la comunicación visual, que materializa un fragmento del medio óptico (universo perceptivo) suceptible de persistir atravez del tiempo y que constituye uno de los principales componentes.

¿Qué es la imágen?

*fijas

*móviles

*privadas

*públicas

*recuerdo personal

*porción del mundo

GÉNESIS DE LA IMÁGEN FIJA

-Concreción de formas del mundo exterior

* figuración

*contorno

-descifrable

-Concreción material.- la mayoría delas veces sobre una superficie de papel

LAS RESERVAS DE IMÁGENES

Eran los dibujos y las pinturas (predominio de) mensaje estético sobre el mensaje semántico.

LA IMÁGEN UTILITARIA

Esquema- diagráma nace con el arquitecto o el teórico haciendo surgir el proceso de abstracción

 

Apuntes de clase

* La palabra fotografía la uso por primera vez Sir John Herschel

* Joseph Nicephore Niepce muestra una fotografia fija

* Louis Jacques M. Daguerre pintor famoso que se interesó en la forma de fijar la luz con su cámara oscura, investigo tenazmente

*George Eastman Kodak tenía a la venta una cámara de idola

*Daguerrotipo: Proceso que consiste en láminas de cobre practicadas, tratadas con vapores de yodo. Redujo los tiempos de exposición de 15 a 30 minutos, saliendo una imagen apenas visible que después es revelada en vapores calientes de Hg  y fijaba lavando con agua caliente y sal.

*Calotipo: negativo en papel

*Fotografia estereoscopica

Historia de la  Fotografía

* Primer dibujo de la cámara oscura

*Material fotosencible

*Daguerre y el Daguerrotipo

*Calotipo

*El colodion humedo

*Exposición del negativo fotografico en seco

*Primera película carrera fotografica

*Autocromes Lumiere

*Fotografia a color  Cros i Ducos

*Primera Leica 35min.

*Instantanea polaroid land.

 

 

Tipos de Lentes

Tipos de Lentes

Muchas cámaras usan lentes intercambiables. La diferencia en estos lentes reside en la longitud focal, que no es mas que la distancia que existe entre el centro óptico del lente y el punto donde este enfoca (el plano de foco).

La longitud focal es lo que determina cuan cerca o cuan lejos aparecen los objetos cuando la imagen se proyecta en la película o el sensor. Esto es lo que se conoce como aumento. La potencia de este aumento se mide en milímetros.

El lente normal que proyecta una imagen que se parece mucho a lo que el fotógrafo ve con sus propios ojos sin mirar a través de la cámara. Un lente entre 40 y 55mm es lo que se conoce como un lente estándar para una cámara de 35mm o DSLR.

El telefoto por el otro lado, permite que el fotógrafo capture la luz desde grandes distancias y que los objetos aparezcan estar mas cerca de lo que realmente están. Los lentes entre 70-105mm son considerados telefotos cortos y se les conoce a veces como los lentes para retratos, puesto que son los lentes ideales para fotografías desde los hombros hacia arriba.

 

Lentes gran-angular son el lado opuesto de los telefotos y hacen que la escena aparezca mucho mas de lejos de lo que esta en realidad pero tiene como ventaja que el campo visual es mucho mas grande. Los lentes de menos de 35mm son considerados gran-angular. Los lentes alrededor de los 24mm se consideran ultra-gran-angular.

http://www.mueses.com/photografia/index.php/tipos-de-lentes/

La fotografía y Kitsch

La fotografía y Kitsch

* El conceptualismo fue una de las tecnicas con las que empezo a trabajar

La palabra kitsch se origina del término alemán yidis etwas verkitschen. Define al arte que es considerado como una copia inferior de un estilo existente. También se utiliza el término kitsch en un sentido más libre para referirse a cualquier arte que es pretencioso, pasado de moda o de muy mal gusto.

El uso de la terminología

Lo kitsch es una imitación estilística de formas de un pasado histórico prestigioso o de formas y productos característicos de la alta cultura moderna, ya socialmente aceptados y estéticamente consumidos.

La palabra se popularizó en los años 1930 por los teóricos Clement Greenberg, Hermann Broch.

Uso del término kitsch en Hispanoamérica

México

En México la palabra tiene un uso limitado al mundo del arte. Su uso generalmente implica definir una obra de arte o un suceso que tiene características vulgares, de mal gusto o popular. La palabra probablemente pueda ser comparada con la palabra naco, pero a diferencia de ésta, lo que se define como kitsch, aunque de mal gusto, adquiere una valoración artística o por lo menos positiva.

Al gunos autores Fotografos que utilizaron Kitsch


• Daniela Rosell
• Luis Molina-Pantin
• Marcos Lopez
• Nelson Garrido
• Penna Prearo
• Vik Muniz

Autores vistos en clase

Autores vistos en clase

Su nombre real era Gaspard Félix Tournachon. Nadar es el pseudónimo utilizado por este gran fotógrafo del siglo XIX.

Nació en 1820 en Lyón y falleció en París en 1910, estudió medicina en su ciudad natal. En 1842 debido a la quiebra de la empresa de impresión de su padre, se trasladó a París ganándose la vida como periodista y caricaturista.

1854 Nadar abre un estudio de fotografía en el 113 de la Rue Saint-Lazare, en 1860 se le quedó pequeño y se cambia a un barrio más a la moda convirtiéndose en una élite de intelectuales

Se lanzó a la fotografía aérea, en 1858 realizó su primera fotografía desde un globo estático que se mandó construir "El Gigante" de la ciudad de Petit-Bicetre, 10 años más tarde comenzó la serie de "vistas" aéreas del barrio de la Etoile, tomada sobre una sola placa al colodión de gran formato.

Comentario:

Este autor me parecio curioso por que apesar de su carrera de medicina prefirio la fotografia y a mi gusto para su época
si logro ser del gusto del público.

Autores vistos en clase

Autores vistos en clase

Manuel Álvarez Bravo, Fotógrafo mexicano, (1902 - 2002) cinefotógrafo.

Comentario:

El trabajo del autor me parecio interesante, por que ademas de ser mexicano lo reflejaba muy bien. Leí que hizo gran amistad como por ejemplo Breton que es un grande de la fotografía, además no solo era fotografo si no que tambien participo en la cinematografía.

Velocidad de opturación

La velocidad del obturador controla la cantidad de luz que pasa por el lente y llega a la película o celdas fotosensibles.
Esta velocidad se mide en segundos o fracciones de segundos. Cada salto de una velocidad a otra en una cámara indica el doble o la mitad de tiempo, siendo equivalente a al doble o mitad de luz.
Por ejemplo en una Nikon FE, la secuencia de velocidad de obturación es:

8 segundos, 4 segundos, 2 segundos, 1 segundo, 1/2 segundo, 1/4, 1/8, 1/15, 1/30, 1/60, 1/125, 1/250, 1/500, 1/1000

Cada una de estas opciones es el doble o la mitad de sus vecinas inmediatas (en algunos casos no es exacto, como 1/8 y 1/15).

  1. el diafragma: que dejará pasar más o menos luz, según esté más o menos abierto
  2. el obturador: que dejará pasar la luz durante más o menos tiempo

Apertura del diafragma

*La apertura de diafragma es también llamada número f ó f-stop.
*Cuanto mayor el número f, menor apertura.
*Cuando mayor el número f, menor apertura, mayor profundidad de campo, por lo que todo en la foto estará enfocado. Ideal para paisajes.
*Cuando menor el número f, mayor apertura, menor profundidad de campo, por lo que el objeto principal de la foto estará enfocado y el fondo borroso. Ideal para retratos, fotos de flores o insectos.

Cuando hablamos de la relación entre cada valor en la secuencia de velocidades (... 1/4, 1/8, 1/15 ..., la relación es que cada número es el doble del siguiente y la mitad del anterior, lo que duplica o divide a la mitad la cantidad de luz de la foto).

La apertura del diafragma o número F ó F/Stops es un poco más confusa que la velocidad de obturación, ya que la secuencia de números aparece de manera arbitraria. Esta es la secuencia normal de f / stop de f/1.4 a f/22.

1.4 2.0 2.8 4 5.6 8 11 16 22

Aunque no parece intuitiva al principio, en esta secuencia la configuración f/1.4 permite el máximo de luz mientras que la configuración f/22 permite un mínimo de luz. Además, cada uno de estos f /stops tiene precisamente la misma relación de ser el doble del anterior y la mitad del siguiente en la secuencia... pero no numéricamente ...

Si vemos f/4 no parece ser la mitad del f5.6... pero si lo es en la cantidad de luz que tendrá la fotografía. Y lo que es peor, 5.6 es un número mayor a 4, pero permitirá la entrada de menor cantidad de luz!!. El concepto anterior de velocidad de obturador nos tiene que ayudar a entender que esta rara secuencia de números logra el mismo efecto, por ejemplo: f2.8 es el doble de luz que el f4, pero f5.6 es la mitad de luz

[fnumber.jpg]

La razón de ésta extraña secuencia tiene sentido porque el f/stop es una relación (ratio). La relación es entre el diámetro de la abertura del lente y la longitud focal del lente. La longitud focal se mide en milímetros, por lo que en un lente de 50mm, f2 significa que el diámetro de la abertura es de 25 mm. La relación es la siguiente 50/25 = 2. Una buena pregunta podría ser, ¿cuál es el área de esa apertura? Bueno, ese hueco llamado apertura se logra por una serie de cinco a quince hojas que forman un agujero circular, por lo que utilizaremos la fórmula para el área de un círculo: Pi x radio2. Para Pi usaremos 3,14159265. En el lente de 50mm, en la apertura de f/2 se tiene un diámetro de 25mm, que es un radio de 12.5mm. El área de la abertura es Pi x (12,5)2, o 3,14159265 x 156,25, o 490,9 milímetros cuadrados.

Ejemplo:  F-stop, osea con f/2.8. Usando la formula del ratio, con el lente de 50mm, el diámetro será 50/2.8 = 17.86mm. El área del circulo será: Pi x (17.86/2)2 ó 250.5 milímetros cuadrados. Y ahí está la relación, el f/2 significa un área de círculo el doble de la formada con el f/2.8 y viceversa

f/stopDiametro de apertura(mm)Radio(mm)Area de apertura (mm2)
f/1.050.025.01963
f/1.435.717.91002
f/2.025.012.5491
f/2.817.98.9250
f/412.56.3123
f/5.68.94.563
f/86.33.131
f/114.52.316
f/163.11.68
f/222.31.14

Secuencia de velocidad de obturador y apertura de diafragma, veamos la siguiente tabla.
Sabemos que en ambos casos los valores de obturador y diafragma doblan o dividen a la mitad la cantidad de luz que tendrá la fotografía, por lo que si abrimos más el diafragma dejando pasar el doble de luz y reducimos la velocidad dejando pasar la mitad de luz, mantendremos la relación y por ende la cantidad de luz en la foto.
Esta tabla muestra valores equivalentes tomando como base una velocidad de 1/125 y una apertura de diafragma de f/8.

Velocidad de obturador1/4 segundos1/81/151/301/601/1251/2501/5001/10001/20001/4000
f/stopf/45f/32f/22f/16f/11f/8f/5.6f/4f/2.8f/2f/1.4

 

Profundidad de campo

Profundidad de campo

Se da al tomar una foto de una flor muy de cerca o un retrato, donde la flor (o persona) se ve bien nítida y el fondo sumamente borroso. Esto en realidad es una profundidad de campo corta, o menor. Mientras que al tomar la foto de un paisaje, quedan enfocadas cosas que están a gran distancia unas de otras, a esto se le llama una profundidad de campo mayor.

"Los factores que influyen en la mayor o menor profundidad de campo son tres: la distancia desde el objetivo al punto enfoque, la longitud focal del objetivo y el diafragma utilizado.

1. Distancia de enfoque: cuanto más lejos enfoquemos, mayor será la profundidad de campo. Por ello, si enfocamos a un objeto situado a 3 metros, manteniendo constante la distancia focal del objetivo y el diafragma, la profundidad de campo se extenderá por ejemplo desde unos 1,8m hasta 5 metros; mientras que si enfocamos a 0,5 metros se extenderá sólo desde 0,4 a los 0,7m.

Que, cuando enfocamos cosas que están lejos, se va a enfocar un rango mayor de elementos, todos distantes a nosotros y distantes entre ellos (en el ejemplo del cuadro 1, entre 1.8 y 5 metros). Mientras que si lo que enfocamos está más próximo, los elementos cercanos queden enfocados también estarán en un rango más reducido de distancia. En las imágenes el payaso es el objetivo principal y se indica sobreado el rango donde otros elementos quedarían igualmente enfocados.

2. Distancia focal: cuanto mayor sea la distancia focal del objetivo, menor será la profundidad de campo.

Cuanto más utilice el zoom menor el rango de enfoque, y viceversa.

3. Diafragma: cuanto mayor sea la apertura del diafragma (menor número f), menor será la profundidad de campo. Esto resulta obvio, ya que los diafragmas cerrados estrechan el cono de luz, y por consiguiente amplían la zona de nitidez.

Por tanto obtendremos una mayor profundidad utilizando objetivos de corta distancia focal (gran angulares), enfocando objetos alejados de la cámara y cerrando lo más posible el diafragma.

Por el contrario, si con un teleobjetivo con el diafragma totalmente abierto, enfocamos un objeto muy próximo, obtendremos una reducidísima profundidad de campo."


http://www.difo.uah.es/curso/c05/


Autores vistos en clase

Autores vistos en clase

Conocido por sus fotografías en blanco y negro de paisajes del parque nacional Yosemite en Estados Unidos (entre otros paisajes) y como autor de numerosos libros sobre fotografía como su trilogía de manuales de instrucción técnica (La Cámara, El Negativo y La Copia). Fundó la asociación fotográfica Grupo f/64 junto con otros maestros como Edward Weston, Willard Van Dyke, Imogen Cunningham y otros.

Fotografías más importantes

  • Monolith, The Face of Half Dome, 1927.
  • Rose and Driftwood, 1932.
  • Clearing Winter Storm, 1940.
  • Moonrise over Hernandez, New Mexico, 1941.
  • Ice on Ellery Lake, Sierra Nevada, 1941.
  • Georgia O'Keeffe and Orville Cox at Canyon de Chelly
  • Aspens, New Mexico, 1958.

Autores vistos en clase

Autores vistos en clase


Artista estadounidense. Estudia arte en el Buffalo State College de Nueva York entre 1972 y 1976, dedicando una especial atención a la fotografía. Hasta 1986 realiza únicamente autorretratos fotográficos con los que intenta parodiar el tema de la mujer estereotipada: situándose en diferentes escenarios, sus imágenes en blanco y negro y de pequeño formato dan paso a otras en color y de formato más grande. En ellas, el humor va desde la muda introspección hasta la sensualidad más provocativa, desatándose el horror y la repulsión a finales de los ochenta. Sus formas cercanas y sus mensajes irónicos, asimilan la tiranía visual propia de la televisión, la publicidad y las revistas, guardando así cierta semejanza con el trabajo de Longo y Prince. El paso a un formato cada vez más grande va en paralelo a la fragmentación de la representación de la figura de Sherman como protagonista, tendiendo algunos de sus temas a la violecia, la crítica política o el erotismo. Tanto el MoMA como la Tate Modern de Londres, poseen un amplio repertorio de su obra.

El material fotosencible

El primer paso para fijar la imagen reproducida en la caja oscura sin tener que llegar a copiarla o plasmarla, a mano, ocurre en 1727, realizando una demostración de la investigación experimental sobre la sensibilidad a la luz del nitrato de plata, por el alemán J.H. Schulze.

El mérito de la obtención de la primera imagen duradera, fija e inalterable a la luz pertenece al francés Joseph Nicéphore Nièpce. (1765-1833).

Las primeras imágenes positivas directas las logró utilizando placas de peltre (aleación de zinc, estaño y plomo) cubriéndolas de betún de Judea y fijadas con aceite de lavanda. Nicéphore utilizó una cámara oscura modificada e impresionó en 1827 con la vista del patio de su casa plasmando la primera fotografía permanente de la Historia. A este procedimiento le llamó heliografía. No obstante Nicéphore, no consiguió un método para invertir las imágenes, y prefirió comenzar a investigar un sistema con que obtener positivos directos. También tropezó con el problema de las larguísimas exposiciones.

Louis Jacques Mandè Daguerre, veinte años más joven que Niepce y famoso pintor, estaba interesado en la forma de fijar la luz con su cámara oscura y al enterarse de los trabajos de Niepce le escribió para conocer sus métodos, pero éste se negaba con evasivas; tras visitarle varias veces e intentar convencerlo para asociarse, dio por inútiles sus intentos y se lanzó a investigar tenazmente.

En 1835 Jacques Daguerre publicó sus primeros resultados de su experimento, proceso que llamó Daguerrotipo, consistente en láminas de cobre plateadas y tratadas con vapores de Yodo. Redujo además los tiempos de exposición a 15 o 30 minutos, consiguiendo una imagen apenas visible, que posteriormente revelaba en vapores calientes de mercurio y fijaba lavando con agua caliente con sal. El verdadero fijado no lo consiguió hasta dos años más tarde. Algunos de lo daguerrotipos que produjo se conservan aún en la actualidad.

Fotografía de la Luna

Fotografía de la Luna

LA MEDICIÓN
Midamos como midamos, la cámara pocas veces nos dará una lectura correcta. Piensa que la luna es un objeto muy brillante rodeada de un área completamente negra. Esto suele confundir al fotómetro. Facilitará mucho la cuestión pensar que la luna es un satélite de la Tierra visible gracias a la luz que recibe del sol. Por lo que estamos fotografiando un objeto, muy distante, eso sí, que está siendo iluminado por el sol. Lo mismo que si hacemos una foto a cualquier otro objeto al aire libre durante el día. Aunque la fotografiemos siendo de noche.

LA EXPOSICIÓN
Un buen punto de partida es intentar capturarla con un cielo despejado usando parámetros similares a los que utilizaríamos fotografiando un objeto iluminado por el sol. ISO100, 1/125 y f8 no suele fallar. Aún así es recomendable ajustar la velocidad de disparo en función de las circunstancias. Unas condiciones climatológicas adversas o las diferentes fases de la luna obligarán a variar estos parámetros. Pero si partes de esa base, casi siempre las correcciones serán mínimas.

Autores vistos en clase

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Richard Avedon

(Nueva York, 1923) Fotógrafo estadounidense. Empezó a practicar la fotografía a la edad de diez años: su primer modelo fue el compositor ruso Serguéi Rachmaninov, amigo personal de sus padres. Estudió la disciplina en la New School of Social Research, después de lo cual realizó trabajos para revistas de moda como Harper's Bazaar (1946-1965), Vogue (1966-1990) y el semanario The New Yorker. Avedon se convirtió en uno de los fotógrafos de moda más influyentes del siglo, con un estilo caracterizado por el constante juego entre contrastes, tanto visuales (negro y blanco) como conceptuales (sofisticación y frivolidad). Entre sus trabajos más destacados cabe señalar así mismo numerosos retratos, a menudo austeros y hieráticos. En 1959 se publicó la primera antología de su obra fotográfica, Observations, seguida más adelante por Nothing personal (1974) y Portraits (1976), entre otras.

Autores vistos en clase

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Biografía:

Lauren Greenfield es una fotógrafa freelance que nació en Boston en 1966 y se crió en Venice (California), ciudad en la que aún hoy vive. Se graduó en la Universidad de Harvard, donde también trabajó realizando fotografías para el Harvard Crimson. Greenfield estuvo contratada en plantilla por National Geographic en 1990, y en 1993 contó con la ayuda de la revista para realizar su libro “Viviendo Deprisa: Creciendo bajo la Sombra de Hollywood”. Gracias a “Viviendo Deprisa”, Greenfield consiguió el Community Awareness Award de la National Press Photographers Association, exponiéndose la obra en el festival Visa pour l’Image en Septiembre de 1995.

Fuente:    http://www.backfocus.es/blog/lauren_greenfield/

El Pictorialismo

El pictorialismo es una corriente fotográfica de pretensiones artísticas que se desarrolla a nivel mundial (aunque principalmente en Europa, Estados Unidos y Japón) entre finales de los años 1880 y el final de la primera guerra mundial. El nombre del movimiento deriva del término inglés picture (imagen, cuadro, pintura, fotografía).

Planteamientos

Para el grupo de fotógrafos que lo conformaron, el pictorialismo supone hablar de una imagen más dentro de lo existente, de una imagen simple captada/separada de un mero registro de la realidad.

Los fotógrafos del pictorialismo se definen como fotógrafos y artistas en la línea de las teorías del romanticismo propias del siglo XIX, destacando la sensibilidad e inspiración de los autores y otorgando un papel secundario a los conocimientos técnicos (tal y como hacía Julia Margaret Cameron).

Se distancian de la realidad para que sus fotografías sean sólo imágenes y no una mera reproducción de la realidad, motivo por el cual buscan deliberadamente el desenfoque o efecto floue. Formalmente, la resolución plástica derivada de la imagen borrosa y los temas que eligen los pictorialistas, señalan una fuerte influencia del Impresionismo.

Ideas y Técnicas

El pictorialismo supone una selección de los temas (Paisaje - Días nublados, de lluvia, de niebla,.... y todos aquellos en los que los agentes atmosféricos no permiten que las imágenes sean nítidas / Retrato - Se eligen principalmente figuras femeninas, e igualmente se busca esa borrosidad / Alegorías / Etc.).

Entre el tema seleccionado y la cámara se colocan filtros, pantallas y demás utensilios que impiden ver claramente. Igualmente recurren a la utilización de juegos de luces y sombras.

No se enfoca de forma deliberada para provocar un efecto similar a la pintura impresionista (es por eso que el pictorialismo es también conocido como fotografía impresionista).

Se utilizaban los conocidos como objetivos de artistas que suponía la colocación de elementos que no correspondían a las cámaras fotográficas empleadas, llegando a recurrir a objetivos antiguos muy imperfectos o, incluso, a la cámara oscura sin objetivo.

También se actuaba en la fase de revelado y en la de positivado de la imagen. Se emplea papel especialmente adecuado para sus manipulaciones. Se añade carbón, bromóleo, goma bicromatada, u otros pigmentos a las emulsiones buscando hacer las fotografías similares al dibujo, grabado, etc. Surge así el concepto de impresiones nobles.

La idea principal era la intención de buscar un resultado diferente al de las imágenes tradicionales y que además esto salte a la vista, lo cual resulta ser un valor añadido.

El nacimiento del pictorialismo

El punto de partida del movimiento viene determinado por la publicación en 1889 del libro Naturalistic Photography de Peter Henry Emerson, donde su autor defiende que la imagen floue correspondía a la visión normal y superaba todas las formas artísticas, por influencia de los pintores impresionistas.